Réinventer l’expérience du stand de Maxon  Comment Mattey a créé une galerie de personnages surréaliste et accessible, reflétant la diversité des talents de la communauté Maxon. 

Les œuvres de l’artiste 3D, Mathieu Le Berre, alias Mattey, basé à Paris, ont attiré l’attention de Maxon par leur style distinctif et leur esprit imaginatif. C’est pourquoi nous lui avons confié, à lui et à son équipe, la réinterprétation d’un de ses projets précédents afin d’en faire une fresque monumentale pour le stand Maxon à l’IBC, ainsi qu’une animation de 30 secondes, le tout en accord avec notre signature de marque : Dream it Make it. L’idée était de mettre en scène des personnages représentant la grande diversité des utilisateurs qui s’appuient chaque jour sur les outils Maxon, des artistes VFX et jeux vidéo aux motion designers, architectes, monteurs, illustrateurs médicaux, et bien d’autres encore. 

Nous avons échangé avec Mattey au sujet de son travail sur ce projet et de son expérience en animation. 

J’ai toujours aimé travailler avec des formes simples et me concentrer sur la direction artistique, les couleurs et l’ambiance générale de mes animations et illustrations. Pour ce projet, j’ai eu l’occasion de concevoir plusieurs personnages, chacun plus amusant et créatif que le précédent.

J’ai suivi le même processus que d’habitude et j’ai commencé par des croquis simples et rapides pour définir la structure générale. Grâce à tous les projets et personnages que j’ai créés au fil des années, ce workflow est devenu plus fluide et rapide.

Chaque personnage devait incarner un rôle précis dans l’univers du design ou de l’animation, ce qui a rendu la démarche créative encore plus naturelle et plaisante. Il était facile de trouver l’inspiration en imaginant les compétences ou la personnalité de chaque personnage ; les idées arrivaient vite au moment du croquis, bien avant de passer à la 3D. 

Avant de créer l’image finale, j’ai d’abord mis en place la composition directement dans Cinema 4D à l’aide de formes simples. Ça m’a permis d’éviter les surprises et de gagner du temps. De cette façon, je pouvais voir instantanément si la composition fonctionnait.

Je suis ensuite passé à la mise en place de l’éclairage, des matériaux et de la direction artistique générale du plan. Une fois ces éléments bien établis, j’avais déjà une base solide pour l’animation, puisque la plupart de l’environnement était déjà construit. Après avoir terminé le storyboard, j’ai simplement appliqué le même principe et commencé à animer. 

Comme j’aime travailler avec des formes simples, le Générateur de Volume est l’un de mes outils de modélisation de prédilection. C’est super intuitif pour créer des personnages stylisés. On commence simplement avec des primitives basiques, on les combine, puis on affine les détails avec le Générateur de volume et les Booléens.

Une fois que la structure semblait correcte, j’ai utilisé le Remailleur de Cinema 4D pour garder le fichier léger et nettoyer la topologie. J’ai terminé en utilisant les outils de sculpture de Cinema 4D pour affiner les formes une dernière fois.

Redshift a véritablement donné vie à l’ensemble pendant le rendu. La précision et la flexibilité qu'il offre en matière d'éclairage ont été essentielles pour donner à chaque personnage sa personnalité unique au sein d'une même scène. » Il permettait également un texturage détaillé utilisant des dégradés et des détails subtils en surface qui répondaient vraiment bien à l’éclairage global, donnant une esthétique épurée, mais chaleureuse et colorée. 

Le secret était simplement de respecter chaque étape du processus, du croquis et storyboard à la composition, la modélisation, l’éclairage et le texturage. En restant organisé(e), vous avancez beaucoup plus vite et évitez de perdre du temps sur des retouches inutiles.

De plus, c’est un style que je peaufine depuis des années, donc l’expérience m’a aidé à fluidifier le workflow et à rester efficace sans sacrifier la qualité. 

Autre chose qui m’a vraiment aidé : collaborer avec Adrobski sur la musique. Adrobski est incroyablement intelligent et intuitif en ce qui concerne le son. Il sait exactement comment faire en sorte que chaque son mette en valeur et sublime l’animation.

En plus d’être un musicien talentueux, il crée lui-même ses propres sound designs à partir de zéro, ce qui apporte énormément d’authenticité. Je lui donne juste quelques indications, et il fait sa magie. C’est toujours parfait.

L’un des projets dont je suis le plus fier est mon « 36 Days of Type – Astrologia Series  », car c’est à ce moment-là que j’ai vraiment commencé à développer mon propre style et ma direction artistique. J’ai pratiquement vécu à l’intérieur de Cinema 4D pendant 36 jours d’affilée, ce qui m’a appris à travailler vite, à rester constant et à gérer la pression tout en créant plus de 36 illustrations et animations. Bien sûr, je suis aussi très fier du projet Maxon et de mon travail d’illustration pour Microsoft Office 365, où j’ai eu beaucoup de liberté créative et un résultat final dont je suis vraiment satisfait. 

Pour l’instant, je veux pousser mon style d’animation encore plus loin en mêlant une esthétique « mignonne » à quelque chose de plus réaliste. Je travaille actuellement sur une animation autour du passage du temps et de la manière dont il agit sur notre environnement, et j’ai vraiment hâte de la partager bientôt.