La Vie secrète des choses du quotidien Comment Sebastian Marek a transformé l’ordinaire en extraordinaire pour créer une œuvre surréaliste de motion design 3D.

L’artiste graphiste indépendant Sebastian Marek a toujours été fasciné par l’idée de contourner les règles physiques des objets ordinaires, en les amenant vers un territoire ludique et inattendu. Des skateboards déformés aux parapluies gonflables qu’il a conçus pour l’écran d’accueil Cinema 4D 2024, ses œuvres innovantes offrent un mélange rare de concepts inventifs et de visuels mémorables.

Avec son dernier projet, « La Vie secrète des choses du quotidien », Marek laisse les objets du quotidien prendre vie. 

Nous avons discuté avec Marek de sa manière de travailler dans Cinema 4D et Redshift, de la façon dont il a réussi à rendre les transitions dans son œuvre fluides et les objets quotidiens si vivants. 

Marek : Le ton surréaliste est venu naturellement une fois que j’ai cessé de traiter les objets tant comme des outils et plutôt comme des personnages avec leur propre logique interne.

Parfois, c’est une analogie visuelle, comme le fer à vapeur glissant sur le tissu comme un yacht sur l’eau, ou les ventilateurs de bureau qui montent et tournent comme une flotte de drones synchronisés. D’autres fois, il s’agit de renverser les attentes : un micro-ondes qui gèle au lieu de chauffer, ou une machine à laver dont le tambour fait bouger tout le corps.

Marek : Je commence généralement par construire un animatique simple pour voir si l’animation et l’histoire fonctionnent avant d’entrer dans les détails. Cette structure initiale me donne une idée claire du rythme et de la façon dont les scènes vont s’intégrer, surtout que ce projet repose tant sur le rythme et le mouvement. Parfois, il s’agit juste d’animer un cube avec un cylindre au centre pour représenter une machine à laver, mais même ce croquis approximatif peut répondre à beaucoup de questions dès le début. Une telle façon de travailler aide aussi vraiment à prioriser le temps de production.

Une fois que le rythme est bon, je passe à Cinema 4D et commence à affiner les scènes. J’utilise l’animation par images clés pour la plupart du mouvement, mais les outils MoGraph jouent aussi un rôle important, surtout quand j’ai besoin de contrôle et de flexibilité. L’effecteur simple était particulièrement utile dans la scène du radiateur, où je devais animer chaque ailette qui se pliait tout en gardant le mouvement fluide. J’ai utilisé un setup similaire pour les ventilateurs du bureau, combinant le Cloneur avec l’Effecteur simple pour chorégraphier leurs mouvements synchronisés avec précision. 

Marek : Redshift était essentiel pour obtenir le look que j’avais en tête tout en gardant le flux de travail flexible. Comme la plupart des plans portent sur des changements d’ambiance et d’éclairage, j’avais besoin de quelque chose qui me permette de bouger rapidement tout en gardant le contrôle.

Tout au long du projet, je me suis souvent appuyé sur la fonction Sun & Sky de Redshift pour explorer différentes ambiances d’éclairage tout en maintenant un ton visuel cohérent dans toutes les scènes. L'éclairage volumétrique a également joué un rôle clé dans des moments comme la scène du radiateur ou le plan final du bureau — ce qui a aidé à façonner l'atmosphère et à guider l'attention du spectateur.

Côté matériaux, je me suis beaucoup tourné vers les flux de travail procéduraux. J’ai utilisé les bruits Maxon et les nœuds de Tuiles pour beaucoup des motifs simples et des éléments construits comme les dalles de salle de bain et de cuisine, entièrement avec des configurations de Cloneur. Cela m’a donné des résultats fiables en gros plan. Le partage des éléments procéduraux sur plusieurs scènes a également permis d’accélérer le processus et de renforcer un aspect cohérent tout au long du film.

Marek : Cette fluidité était probablement la partie la plus intentionnelle. Je voulais que le court-métrage ressemble à un souffle unique et ininterrompu, où les transitions n’étaient pas de simples coupes, mais des mouvements naturels d’une scène à l’autre. Chaque objet transmet la quantité de mouvement au suivant par un mouvement partagé ou une similarité visuelle.

Une grande partie de cette sensation de fluidité venait de la façon dont j’utilisais la caméra, non pas en tant qu’observateur passif, mais comme une présence avec sa propre intention. Un dolly zoom accentue la tension surréaliste alors que des spaghettis gelés apparaissent à l’écran. La machine à laver atterrit et déclenche un léger sursaut. De petits gestes qui donnent l’impression d’un monde réactif et vivant.

Ce sentiment de mouvement a aidé à tout relier, assurant la continuité du voyage, comme un seul plan qui se déroule.

Marek : Pas directement, mais je pensais que chaque objet avait son propre comportement, son propre rythme et sa façon d’exister dans son environnement.

Mais il ne s’agissait pas seulement de l’objet lui-même. Son emplacement était tout aussi important. Le radiateur se trouve dans un salon sombre, inspiré d’un jazz club. Son mouvement lent et oscillant reflète cette atmosphère. Subtil, presque comme s’il bougeait au rythme d’une musique de fond. La machine à laver semble maladroite et déséquilibrée, cassant le carrelage lorsqu’elle monte en tension, comme si elle peinait à rester debout. Les ventilateurs, placés dans un bureau, se déplacent de manière disciplinée et coordonnée. Presque comme s’ils travaillaient en suivant une routine silencieuse. Même le fer à vapeur porte une inscription manuscrite sur son côté, comme celles que l’on voit souvent sur les yachts. C’est un petit détail qui renforce subtilement la métaphore sans attirer trop l’attention.

Marek : J’espère que cela inspirera les gens à rompre avec les rôles habituels, tout comme le font les objets. Je veux qu’ils regardent un peu plus attentivement, expérimentent et essaient quelque chose qu’ils n’auraient pas essayé normalement.

Surtout aujourd’hui, avec le nombre de nouveaux outils et de workflows pilotés par l’IA, il est facile de se concentrer sur le résultat et d’oublier l’intention. Mais pour moi, c’est ce qui donne toute sa signification au processus. C’est l’idée derrière une image qui lui donne du poids. Et c’est ce qui rend la réalisation intéressante. t worth making.

Marek : Dès le début, nous savions que nous ne voulions pas de musique traditionnelle. C’était plus une question de texture et de ton. Quelque chose qui faisait partie du monde plutôt que de s’y superposer. Dans la scène du radiateur, par exemple, nous avons utilisé une voix de soprano pour faire écho à l’intérieur métallique et résonnant. Combinée à des touches comme des voix reggae, cette approche donnait à la pièce un contraste inattendu.

Au début, nous avions envisagé de donner à chaque scène son propre son, mais cela nous a vite semblé trop segmenté. Nous avons finalement évolué vers une structure plus proche d’une bande-annonce, un morceau unique et continu avec des couches et des textures vocales évolutives. Cette approche a soutenu les transitions et donné au film toute sa fluidité.

Giovanni vient d’un milieu de production musicale, mais il a aussi un œil intuitif pour les visuels. Même pendant la phase Cadre de style, il signalait quand quelque chose clochait. Par exemple, si l’éclairage ne correspondait pas à l’ambiance du son. Ce retour initial a aidé à garder tout en harmonie émotionnelle.

Marek : La séquence du micro-ondes était probablement la plus complexe, tant sur le plan technique que créatif. Il a été difficile, au début, de rendre l’effet givré convaincant. J’ai créé une texture procédurale animée dans After Effects pour simuler le givre, et je l’ai appliquée comme un placage de relief sur le verre de Redshift. Cette méthode créait une illusion de gel subtile mais efficace.

Autre élément délicat : la neige qui s’accumulait à l’intérieur du micro-ondes. J’ai sculpté un maillage de base et dispersé des milliers de petits éléments avec l’objet Matrix pour imiter la neige givrée. J’ai ensuite animé la structure en utilisant du morphing de pose pour créer une croissance organique, en accéléré.

L’équilibrage de l’aspect visuel et de l’efficacité du rendu était essentiel, notamment avec des placages de relief animés, du verre, une diffusion sous-surfacique pour les pâtes et la sauce, ainsi que tous les matériaux superposés visibles à travers la porte. Le rendu efficace aurait pu constituer une difficulté majeure, mais Redshift l’a étonnamment bien géré et m’a offert la flexibilité dont j’avais besoin. 

Marek : Cette année, j’espère pouvoir consacrer davantage de temps à me concentrer sur des animations courtes comme celle-ci. J’ai déjà quelques idées que j’aimerais explorer. Je les vois comme une occasion d’expérimenter de nouveaux flux de travail et de nouvelles techniques qui pourraient alimenter de futurs projets.