Dans les coulisses de l’OFFF Barcelona 2026 La création du générique haut en couleur qui a captivé le public.

L’OFFF Barcelona 2026, le rendez-vous créatif incontournable pour les artistes et les créateurs, a démarré en mai avec des participants innovants venus du monde entier. Les festivaliers comme les habitants de la ville ont été captivés par le spectacle visuel époustouflant qui ornait de manière ludique la façade du Disseny Hub. PJ Richardson, cofondateur et directeur créatif exécutif de Laundry Studios, ainsi que le motion designer 3D Alex Liou et l’artiste et directeur artistique Josh Pierce se sont associés pour créer le générique d’ouverture le plus dynamique de l’événement à ce jour. Laundry Studios est un studio spécialisé dans le motion design, l'animation et la production, implanté à Los Angeles, San Francisco et New York. Ce studio de création primé a collaboré avec des marques telles qu'Apple, Nike, Google, Lego, Coca-Cola et bien d'autres encore pour créer des contenus animés uniques.

Nous avons discuté avec Richardson pour découvrir les coulisses de la réalisation de ces 55 titres impressionnants qui ont séduit la communauté créative.

Richardson : Je suis un fervent admirateur de l’OFFF, j’y ai toujours participé et, ces dernières années, j’y suis intervenu lors de toutes leurs conférences. J’adore l’esprit communautaire qui y règne, l’ambiance créative et faire partie de tout cela. Pour apporter ma contribution et rendre la pareille, j’ai contacté Pep Salazar, le fondateur de l’OFFF, fin 2025, afin de voir si nous pouvions réaliser le générique. Nous pensions qu’il s’agirait d’une séquence d’ouverture de 2 à 3 minutes sur scène lors de la conférence à Barcelone, mais une fois le projet lancé, nous avons appris que, pour la première fois, il s’agirait d’un grand vidéo mapping sur la façade du Disseny Hub, le musée du design de Barcelone où se tient chaque année l’OFFF.

Par ailleurs, Uncommon Creative Studio a conçu l’identité visuelle de la conférence. Concrètement, l’équipe a recueilli la salive de chaque participant à l’OFFF lors d’une série de rencontres organisées auparavant à travers le monde, puis a laissé les échantillons développer des moisissures pour créer une œuvre d’art à partir de celles-ci. L’idée était d’offrir une représentation visuelle de chacun d’entre nous, s’unissant de manière organique et harmonieuse, à l’image de l’expérience que nous vivons tous à l’OFFF. Notre objectif était de faire en sorte que les titres semblent émerger visuellement de cette œuvre afin de créer une cohésion globale. 

Richardson : Il y avait plus de 55 titres, et nous disposions d’environ 45 jours de production, ce qui ne nous laissait pas beaucoup de temps pour la R&D. Nous avons donc choisi de nous concentrer sur ce que la communauté de créatifs a en commun : le processus. Inspirés par mon héros créatif et mentor que je n’ai jamais eu l’occasion de rencontrer, Virgil Abloh, nous avons adopté une approche très postmoderne, où le processus est devenu l’art visuel. Je savais que les génériques devaient refléter ce parcours créatif commun, fait d’émotions, d’expérimentations, d’échecs et d’enseignements tirés du processus créatif.

C’est ainsi que nous avons divisé les titres en trois parties : l'anticipation/l'enthousiasme, la curiosité/l'expérimentation, et la joie d'atteindre cette belle destination finale. Chacun de ces chapitres évoquait visuellement des émotions très précises : l'enthousiasme et l'abstraction d'une idée qui prend forme, le processus d'expérimentation, et le sentiment apaisant d'atteindre la fin et un lieu de bonheur.

Afin de tout mener à bien dans les délais, j’ai fait appel à deux de mes bons amis, Alex Liou et Josh Pierce. Alex s’est chargé de la partie « Curiosité » en tant que maître expérimentateur Houdini, tandis que Josh a donné vie à la partie « Destination finale » en en faisant un havre de paix grâce à ses paysages en 3D caractéristiques. Pour ma part, j’ai pris en charge la première partie et la composition. Au fur et à mesure, nous avons testé différentes versions de chaque segment et sélectionné celles qui rendaient le mieux l’ambiance recherchée.

Ce qui a permis de tout relier, c’est l’utilisation de Maxon Cinema 4D et de Redshift. J’ai travaillé avec de nombreux outils, des anciens comme des récents, mais la simplicité de Cinema 4D et de Redshift en fait toujours mes choix préférés, grâce à leur rapidité et à leur stabilité. Chez Laundry, nous utilisons Cinema 4D et Redshift pour 85 % de notre travail en 3D, qu’il s’agisse de campagnes publicitaires, de motion graphics, d’identité visuelle, de création d’univers ou de conception de personnages. Nous nous sommes largement appuyés sur ces outils pour mener à bien des projets liés aux produits, dans le cadre de nos collaborations avec de grandes marques telles que Nike et Apple, ainsi que pour des réalisations destinées aux plus grands écrans du monde, comme la Sphere. Cela marche bien, tout simplement. 

Richardson : Comme toujours, Redshift nous a sauvé la mise lors du rendu. Nous le maîtrisons parfaitement et avons ainsi pu obtenir ces couleurs vives et éclatantes ainsi qu’un style graphique qui s’inscrivaient parfaitement dans notre esthétique commune. Le caractère procédural de certains modes de Noise de Redshift nous a aidés à créer, pour nos matériaux les plus organiques, des textures d’aspect plus naturel, mais aussi des textures que nous pouvions animer en boucle et dont nous pouvions facilement ajuster la vitesse de manière procédurale.

Richardson : Au fur et à mesure que nous avancions dans le projet, nous avons découvert que nous pouvions utiliser des éléments audio même pendant la diffusion du vidéo mapping à l’extérieur. Nous avons contacté John Black et l’équipe de Cypher Sound à Toronto. L'objectif était similaire à celui que nous nous étions fixé : nous laisser porter par le processus et profiter de cette liberté pour réaliser ce que les clients nous laissent rarement faire. Ils ont créé un paysage sonore composé d’une soixantaine de pistes sonores afin de composer la bande-son du générique. 

Richardson : C’était de loin la partie la plus difficile. Nous disposions d’un modèle 2D et d’un scan 3D du bâtiment, mais nous nous sommes rapidement heurtés à deux difficultés. Tout d’abord, le paysage 3D semblait déformé, même s’il était fidèle à la réalité sur le mur. Ensuite, le centre de la composition 3D ne correspondait pas au point central que les spectateurs verraient à l’écran en raison de la forme oblongue du bâtiment. Nous avons donc dû, en gros, créer nos scènes avec une largeur supérieure d’environ 35 % à ce que l’on verrait à l’écran pour obtenir un véritable point central. De plus, le rendu final dépassait la résolution 8K à 50 images par seconde, ce qui a considérablement alourdi la charge de rendu de notre pipeline. C’est pourquoi nous avons utilisé l’outil d’IA Topaz pour augmenter la résolution du projet à partir du format 4K à 25 images par seconde dans lequel nous avions initialement travaillé. 

Richardson : Pour l'instant, notre utilisation varie. Chez Laundry, nous recourons actuellement beaucoup à l'IA dans le cadre de notre workflow, qu'il s'agisse de simples gains d'efficacité technique ou de productions entièrement réalisées par l'IA. Nous l'utilisons pour les storyboards, l'exploration stylistique, la photographie, la vidéo et les animations de type CGI. Cela dit, pour nous, l’IA reste un outil que nous n'utilisons de manière créative que lorsque cela s'inscrit dans notre vision et nos choix esthétiques, que nous définissons au préalable de manière délibérée et intentionnelle. Dans la plupart des cas, nous ne l'utilisons toujours pas du tout, car cela ne nous apporte pas grand-chose.

En ce qui concerne la manière dont nous envisageons d’utiliser l’IA à l’avenir, en tant qu’outil, elle est là pour rester et ne fera que s’améliorer sur le plan technique, gagner en diversité et en puissance. Mon intuition me dit que son utilisation prendra deux formes. D’un point de vue technique, elle continuera à simplifier des outils complexes, les rendant plus faciles à utiliser. Cela nous permet d’accomplir une multitude de tâches créatives puissantes, au lieu d’être limités à quelques-unes seulement, ce qui explique pourquoi notre studio, ainsi que de nombreux créatifs, y ont de plus en plus recours. Je pense que nous nous éloignerons tous de l’IA sur le plan stylistique, par exemple en ce qui concerne l’art génératif basé sur l’IA. À l’heure actuelle, cela ressemble un peu à l’époque où les filtres Photoshop ont fait leur apparition : le rendu est incroyablement soigné, mais cela rend le style visuel trop artificiel. Comme c’est facile à réaliser, ce qui signifie généralement qu’on en trouve en abondance, cela devient souvent moins convoité tant par les artistes que par les clients. Nous constatons déjà ce phénomène et évitons souvent les « looks IA », notamment parce que, même avant l’IA, nous recherchions constamment ce qui créait le plus de connexion émotionnelle plutôt qu’un rendu lisse et brillant.

Richardson : Ce projet a été l’un des plus gratifiants, mais aussi l’un des plus épuisants sur le plan émotionnel, parmi tous ceux sur lesquels j’ai travaillé. L’ampleur de la tâche et la pression liée au fait de créer quelque chose que j’aimais pour des collègues que je respecte énormément ont représenté un défi majeur. J’ai ensuite cherché à me détendre, à prendre du recul et à trouver de nouvelles façons d’exprimer ma créativité. Chez Laundry, nous nous sommes beaucoup intéressés à l’IA, principalement pour relever le défi de créer des œuvres qui suscitent des émotions grâce à cette technologie. Je me suis également redécouvert une passion pour la typographie.

Points clés

• PJ Richardson et son équipe ont créé un générique spectaculaire en mapping vidéo, composé de 55 titres s'étalant sur 10 minutes, pour l'OFFF Barcelona 2026.

• Ils se sont appuyés sur les workflow procéduraux de Cinema 4D et Redshift pour mener à bien ce projet, qui a permis de plonger les spectateurs au cœur de l'action et de mettre l'ambiance pour l'ensemble de l'événement.